A Renascença
ESMERO DAS FORMAS VOCAIS
Um conceito já inteiramente abstrato de música
orientava a invenção dos mestres franco-flamengos, que foram os pioneiros do
estilo renascentista. Chegavam a compor para 36 vozes paralelas, num verdadeiro
malabarismo contrapontístico. A virtuosidade era praticamente uma norma seguida
por essa escola na qual se destacaram Guillaume Dufay (1400-1474) e Johannes
Ockeghem (1430-1496). E a virtuosidade foi levada a um ponto muito alto por
Josquin des Prés (1445-1521), o mais brilhante de todos os flamengos.
No clima da Renascença, a polifonia católica
passava das igrejas para os salões da aristocracia. Os reformistas protestantes
faziam o oposto, indo buscar entre o povo os seus temas musicais. Enquanto
isso, os flamengos percorriam a Europa propagando o seu estilo, que fez nascer
vários gêneros de canção (chanson, song e lied). Na França, Clément Janequin
(1480-1558) não foi o único a sofrer a influência flamenga. Na Inglaterra,
também, a escola dos virtuoses conquistou seguidores como William Byrd
(1543-1623). O compositor Orlando de Lassus (1531-1594) viveu em vários países,
de modo que é difícil saber onde conheceu a música dos flamengos. Mas não há
dúvida de que ela transparece em suas obras, cuja expressividade sugere a crise
espiritual do seu tempo.
Gioseffe Zarlino (1517-1590) formulou as noções
básicas da Tríade Tonal, estabelecendo que a tônica, a dominante e a
subdominante seriam, respectivamente, a primeira, a quinta e a quarta notas de
um certo tipo de escala. Essa invenção teórica trouxe novos recursos à música.
Por seu sabor popular, o canto protestante passava
à frente da liturgia católica e a inquietação da Igreja ante esse fato se mostrou
no Concílio de Trento (1563), quando os jesuítas esboçaram uma tentativa de
revitalizar a sua música. No entanto, esbarraram com um obstáculo sério: as
normas canônicas interditavam o acesso ao estilo flamengo, alegando que este
confundia o texto religioso. O impasse permaneceu até que Giovanni da
Palestrina (1525-1594) encontrou uma solução hábil: Se o texto era o dilema,
restava o recurso de dar mais destaque às palavras para ressaltar na música as
emoções sugeridas por ele. Assim, eliminou o acompanhamento instrumental,
criando composições "a capela", isto é, dedicadas exclusivamente à
voz humana.
Mas, no auge da expressividade renascentista, o
desejo de atingir o grandioso exigiu de novo a participação do acompanhamento
instrumental. As explorações de Andrea Gabrieli (1510-1586) no sentido de
usá-lo como apoio à música de vários coros levaram seu sobrinho Giovanni
Gabrieli (1557-1612) a enveredar pelo mesmo rumo. Em obras monumentais,
Giovanni acrescentou instrumentação à sua policoralidade.
O Barroco
SUA EXCELÊNCIA, A ÓPERA BARROCA
A Renascença transformara a mentalidade européia,
mudando radicalmente as suas concepções. Divindade: em seu lugar, agora estava
o Homem. Reviviam os ideais artísticos da Antiguidade Clássica.
A música do período Barroco acusou as conseqüências
desse novo espíirito. Os grandes coros polifônicos foram gradualmente
substituídos pelo canto individual (homofonia) com acompanhamento instrumental.
Buscava-se centralizar na voz de um único cantor a comunicabilidade musical. Em
conseqüência, tornou-se hábito apoiar o cantor com os acordes de um instrumento
(baixo contínuo). Era a melodia acompanhada.
Outro sinal da mudança dos tempos foi o retorno às
grandes tragédias gregas cantadas, que conduziria, em seguida, ao
desenvolvimento da ópera na Itália.
Paradoxalmente, esse gênero que refletia a vida
opulenta dos burgueses ricos das cidades italianas desfrutou desde o início de
uma grande popularidade. A Eurídece que Jacopo Peri (1561-1633) e Giulio
Caccini (1550-1618) escreveram no ano de abertura do século XVII fez tanto
sucesso que provocou seguidores. Claudio Monteverdi (1567-1643) é dessa época;
contudo, foi mais além. Queria originalidade e a obteve, introduzindo na ópera
a orquestra, dinamizando a sua harmonia com acordes avançados para a época, e
aperfeiçoando o Melodrama, que se tornaria uma característica básica do gênero.
A revolução monteverdiana estendeu-se ao resto do
continente, inspirando a formação de grandes mestres do Barroco, como o alemão Heinrich
Schütz (1585-1672) e o ítalo-francês Jean Baptiste Lully (1658-1695) também
usou as inovações de Monteverdi para criar as suas Trio-Sonatas. Com duas
partes agudas e uma grave, esse gênero foi um percussor da prodigiosa música
instrumental do século seguinte.
O REFINADO ROCOCÓ
Em sua expansão, a ópera barroca invadiu os
domínios da música sacra, absorvendo o caráter teatral dos Dramas Litúrgicos,
que encenavam a Paixão de Cristo e outros episódios das Escrituras. A isto
seguiu-se o aparecimento de uma curiosa classe de cantores, preparados desde a
infância para terem uma aguda voz feminina - os castrati. E o traço cômico dado
por eles ao estilo operístico foi o fator que influenciou o surgimento da opera
buffa, marcada por um teor nitidamente satírico, ironizando tanto a Igreja como
os costumes da vida mundana. Apesar da sua novidade, porém, a ópera buffa
preservava a característica primordial do barroco - a melodia individual.
Nesse mesmo período o progresso do artesanato de
instrumentos permitia a formação dos primeiros virtuosi, que levaram a música
instrumental até os salões da nobreza. Tornaram-se então comuns as Orquestras
de Câmara (conjuntos de poucos intérpretes) e o Concerto Grosso, o mais genuíno
produto da criação barroca. No Concerto Grosso, diversos instrumentos
disputavam prevalência com a orquestra, em vez de um só, como acontece no
concerto tradicional.
A Sonata da Camera (sonata de câmara)
transformou-se nessa época numa verdadeira suíte de danças, distinguindo-se da
Sonata da Chiesa, (ancestral da Sonata Clássica tocada apenas por piano,
violino ou violoncelo).
O grande vigor assumido pela música instrumental se
explica, sobretudo, pelos talentos excepcionais que se dedicaram a ela. Um
deles foi Arcangelo Corelli (1653-1713), violinista e compositor, tanto
religioso como profano. Outro foi Antonio Vivaldi (1678-1741), criador de uma
vasta obra profana, principalmente violinística. Georg Philip Teleman
(1681-1767) demonstrou preferência pelos instrumentos de sôpro, tendo criado
para eles um grande número de peças notáveis. Domenico Scarlatti (1685-1757)
escreveu para cravo e, assim como os franceses Jean-Philipe Rameau (1683-1764)
e François Couperin (1668-1773), caracterizou sua obra com traços do estilo
galante ou Rococó
O APOGEU DO BARROCO
Georg Friederich Händel e Johann Sebastian Bach
tinham muito em comum. Ambos nasceram em 1685, eram alemães e protestantes.
Ambos dominavam magnificamente a arte da composição, criando peças em quase
todos os gêneros da música vocal e instrumental. Ambos deram vida nova à
polifonia que havia sido abandonada. E ambos conduziram o estilo barroco ao
apogeu.
Com a invenção da fuga tonal, Bach revolucionou o
sistema musical vigente, que era baseado em intervalos sonoros desiguais. Seu
Sistema Temperado veio a possibilitar intervalos sempre iguais entre notas,
igualando todos os semitons. O primeiro volume do Cravo Bem Temperado foi
publicado em 1722, o mesmo ano em que surgiu o Tratado de Harmonia de Rameau.
Os dois acontecimentos, em conseqüência, efetivaram a nova ordem tonal,
anunciando grandes períodos.
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